SOMEBODY@MASCHINENHAUS 2025
28.02- 09.03
Program / Programm
Applies for all performances | Für alle Performances gilt:
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* the detailed dance films program coming soon
* Detailliertes Tanzfilmprogramm folgt in Kürze
FRI, 28.02.
10.00 & 19.30
Flying Elephant: Happy Hunting
The dance theatre piece questions the pursuit of "more and more." Choreographed by Florian Entenfellner and the dancers, it combines elements of acting with partner acrobatics. Who or what are we humans chasing to find happiness? What are we willing to sacrifice, and whose happiness is at stake? The performance HAPPY HUNTING takes a humorous look at societies where the goal is not only to be successful and beautiful but also to be "happy." Driven by the hunt for individual happiness or held back by personal and societal values, the performers navigate a tension between consideration and recklessness, the pursuit of personal fulfillment, and responsibility for the well-being of all.
Das Tanztheaterstück hinterfragt das Streben nach immer mehr. Choreographiert von Florian Entenfellner und den Tänzer:innen, kombiniert es Elemente aus Schauspiel mit Partnerakrobatik. Wem oder was jagen wir Menschen hinterher, um glücklich zu sein? Was nehmen wir dafür in Kauf und um wessen Glück geht es? Die Performance HAPPY HUNTING wirft einen humorvollen Blick auf Gesellschaften, in denen es nicht nur darum geht, erfolgreich & schön, sondern darüber hinaus auch noch „happy“ sein zu müssen. Getrieben von der Jagd nach individuellem Glück oder gebremst durch eigene und gesellschaftliche Wertvorstellungen bewegen sich die Performer:innen im Spannungsfeld zwischen Rücksichtnahme und Gewissenlosigkeit, dem Streben nach eigener Bedürfniserfüllung und Verantwortung für das Wohl aller.
Choreografie | Choreography: Florian Entenfellner
Tanz, Choreografie | dance, choreography: Carolina Avellaneda, Joni Österlund, Patric Lindstöm
Musik | music: Marco Girardin
Kooperationspartner: Stadttheater Greif Wels, Red Sapata Linz, Maschinenhaus Essen, Junges Theater Wels, Medien Kultur Haus Wels, Folkwang Universität der Künste. Gefördert durch: Stadt Essen, Stadt Wels, Land OÖ, Ministerium für Kultur und Wissenschaft NRW, Bundesministerium für Kunst und Kultur (Ö), Bundesministerium für Bildung (Ö), Culture Moves Europe – Creative Desk Europe / Sponsoring durch die Raiffeisenbank Wels/Wels-Süd
Cooperation partners: Stadttheater Greif Wels, Red Sapata Linz, Maschinenhaus Essen, Junges Theater Wels, Medien Kultur Haus Wels, Folkwang University of the Arts. Supported by: City of Essen, City of Wels, State of Upper Austria, Ministry of Culture and Science of North Rhine-Westphalia, Federal Ministry for Arts and Culture (Austria), Federal Ministry of Education (Austria), Culture Moves Europe – Creative Desk Europe / Sponsorship by Raiffeisenbank Wels/Wels-Süd.
SA, 01.03.
19:30 Performances
Nene Okada & Moeko Okuda: MUNI むに (work in progress) (Premiere)
Cheng-Yang Peng: Two Relationships
Valentina Restrepo Giraldo & Frederico Mendes Teixeira: SINCOPADOS.DOS
bar open afterwards | Im Anschluss Bar geöffnet
Nene Okada & Moeko Okuda: MUNI むに (work in progress)
The constant flow of information on social media often makes it easy to compare ourselves to others. This can sometimes cause us to lose sight of our individuality and self-worth. This performance explores the importance of understanding one's identity in a society full of external pressures. What defines your identity? Do you feel the weight of social expectations? Where do ideas about how we "should be" or "must act" come from? Through a dynamic blend of dance theatre and music, this work explores these questions in an entertaining and thought-provoking way. Inspired by the adventure format of 1990s Japanese video games, it offers a colorful, game-like world in which the protagonists navigate challenges, uncover messages and learn about the value of individuality. With its vibrant and playful atmosphere, this performance is designed to be accessible and enjoyable for children, while resonating with audiences of all ages
Der ständige Informationsfluss in den sozialen Medien macht es uns leicht, uns mit anderen zu vergleichen. Dadurch können wir manchmal den Blick für unsere eigene Individualität und unseren Selbstwert verlieren. Diese Performance erforscht die Bedeutung, die eigene Identität in einer Gesellschaft voller äußerer Zwänge zu verstehen. Was definiert deine Identität? Spürst du den Druck gesellschaftlicher Erwartungen? Woher kommen die Vorstellungen darüber, wie wir „sein sollten“ oder „uns verhalten müssen“? Durch eine dynamische Mischung aus Tanztheater und Musik untersucht dieses Werk diese Fragen auf unterhaltsame und zugleich tiefgründige Weise. Inspiriert vom Abenteuerformat japanischer Videospiele der 1990er Jahre entführt es in eine bunte, spielerische Welt, in der die Protagonist:innen Herausforderungen meistern, Botschaften entdecken und den Wert der Individualität verstehen lernen. Mit seiner lebendigen und verspielten Atmosphäre ist diese Performance so gestaltet, dass sie Kindern zugänglich und unterhaltsam ist, aber gleichzeitig Zuschauer:innen aller Altersgruppen anspricht.
Choreografie, Tanz | Choreography, dance: mOnE. (Nene Okada‧Moeko Okuda)
Musik | music: Marco Girardin
Cheng-Yang Peng: Two Relationships
A solo dance piece that explores the theme of "youth." Inspired by the poem Youth by the American poet Samuel Ullman, the work portrays two characters with strongly contrasting personalities: one is strict, stubborn, and bound by rules, while the other is highly creative, open, and free. These two characters represent different perspectives and approaches to life, with each embodying their traits with unwavering conviction and reflective poise.
Ein Solo-Tanzstück, das sich mit dem Thema „Jugend“ auseinandersetzt. Inspiriert von dem Gedicht Youth des amerikanischen Dichters Samuel Ullman, stellt das Werk zwei Charaktere mit stark kontrastierenden Persönlichkeiten dar – der eine streng, stur und an Regeln gebunden, der andere hochgradig kreativ, offen und frei. Diese beiden Charaktere repräsentieren unterschiedliche Sichtweisen und Lebensansätze, wobei jeder mit unerschütterlicher Überzeugung und reflektierender Haltung seine Eigenschaften verkörpert.
Valentina Restrepo Giraldo & Frederico Mendes Teixeira: SINCOPADOS.DOS
Sincopados.dos continues a research based on linear and round movement composition. Through movements that go back and forth, advance and retrograde, the dancers create patterns and rhythmical changes and establish a dialogue between them and the space.
Sincopados.dos setzt eine Forschung fort, die sich mit der Komposition von linearen und runden Bewegungen beschäftigt. Durch Bewegungen, die vor- und zurückgehen, voranschreiten und rückwärts laufen, erschaffen die Tänzer:innen Muster und rhythmische Veränderungen und etablieren einen Dialog zwischen sich und dem Raum.
SO, 02.03.
18:30
Cheng-Yang Peng: Skepticist [Foyer] (Premiere)
19:00
Kati Masami Menze: The ghosts of the past are still living within our bodies (Premiere)
bar open afterwards | Im Anschluss Bar geöffnet
Cheng-Yang Peng: Skepticist [Foyer]
"Skepticist" is a collaborative, site-specific, immersive performance that will be performed at Maschinenhaus Essen in partnership with somebody@maschinenhaus ‘25. This performance delving into the intricate themes of truth and deception against the backdrop of industrial landscapes. From Essen to Dortmund, from Maschinenhaus to Superraum, from past to present, an innovative shift in time and space. The project bridges culture and society, fostering a dialogue between historical heritage and contemporary expression. The performance is anchored by the Skepticist, a figure who moves through real-world scenarios within the historic settings of Maschinenhaus. For this specific presentation, the Skepticist will appear exclusively during the 30 minutes prior to the main event. Moving silently through the foyer and architectural spaces of Maschinenhaus, the Skepticist interacts subtly with the audience and the environment, transforming the pre-show experience into a thought-provoking journey. By leveraging Essen’s cultural landmark, this project creates an experience deeply rooted in local history while addressing universal themes of honesty and manipulation.
"Skepticist" ist eine kollaborative, ortsspezifische, immersive Performance, die im Maschinenhaus Essen in Zusammenarbeit mit somebody@maschinenhaus '25 aufgeführt wird. Diese Performance setzt sich mit den komplexen Themen Wahrheit und Täuschung vor der Kulisse industrieller Landschaften auseinander. Von Essen nach Dortmund, vom Maschinenhaus zum Superraum, von der Vergangenheit in die Gegenwart – eine innovative Verschiebung von Zeit und Raum. Das Projekt schlägt eine Brücke zwischen Kultur und Gesellschaft und fördert einen Dialog zwischen historischem Erbe und zeitgenössischem Ausdruck. Die Performance wird vom Skepticist getragen, einer Figur, die sich durch reale Szenarien innerhalb der historischen Umgebung des Maschinenhauses bewegt. Für diese spezielle Präsentation erscheint der Skepticist bloß in den 30 Minuten vor dem Hauptevent. Lautlos durch das Foyer und die architektonischen Räume des Maschinenhauses wandelnd, interagiert der Skepticist subtil mit dem Publikum und der Umgebung und verwandelt so die Zeit vor der Vorstellung in eine zum Nachdenken anregende Reise. Durch die Nutzung von Essens kulturellem Wahrzeichen schafft dieses Projekt ein Erlebnis, das tief in der lokalen Geschichte verwurzelt ist, während es universelle Themen wie Ehrlichkeit und Manipulation anspricht.
Konzept | concept: Cheng-Yang Peng
Tanz | dance: Cheng-Yang Peng, Wei-Cheng Shao
Musik | music: Marco Girardin
Gefördert durch | Supported by: Kulturamt Essen
Kati Masami Menze: The ghosts of the past are still living within our bodies
Menze invites the audience to a multisensory experience centered on organs and their ways of communication. In our society, which is driven by performance enhancement and self-optimization, where we constantly track many aspects of our lives via apps, the needs of our bodies often go unnoticed. However, the human body, especially its organs, does not follow a capitalist logic. Organs have their own internal rhythm, which can also be strongly influenced or altered by (chronic) stress, emotional scars, and trauma. This participatory work is aimed at everyone (with very different relationships to their own body, including the traces and scars a body carries) who is interested in exploring the language of the organs and listening to their own body. Body sounds such as heartbeat, digestive noises, and breathing are interwoven into a soundscape during the performance, inviting the audience to rediscover the rhythms and sounds of their own bodies. The audience and performer share the stage space, surrounded by soft objects shaped like oversized organs, covered in velvety, soothing surfaces. How can we perceive our organs and their signals? How can we learn their language and give them space? In this intimate atmosphere, Menze dissolves the boundaries between artistic space and personal self-exploration.
Menze lädt das Publikum zu einer multisensorischen Erfahrung rundum Organe und deren Kommunikationsweisen ein. In unserer Gesellschaft, die von Leistungssteigerung und Selbstoptimierung geprägt ist, in der wir vieles permanent per App tracken, bleiben die Bedürfnisse unserer Körper oft unbeachtet. Der menschliche Körper, besonders die Organe, folgen jedoch keiner kapitalistischen Logik. Organe haben einen eigenen inneren Rhythmus der ebenfalls durch (chronischen) Stress, emotionale Narben und Traumata stark beeinflusst / verändert werden kann. Die partizipative Arbeit richtet sich an alle Menschen (mit sehr unterschiedlichen Zugängen zum eigenen Körper inkl. Spuren/Narben, die ein Körper mit sich trägt), die interessiert sind, die Sprache der Organe zu erkunden und dem eigenen Körper zuzuhören. Körpergeräusche wie Herzschlag, Verdauungsgeräusche und Atmen verweben sich während der Performance zu einem Klangteppich und laden das Publikum dazu ein, die Rhythmen und Geräusche ihres eigenen Körpers neu wahrzunehmen. Publikum und Performerin teilen sich gemeinsam den Bühnenraum. Umgeben von weichen Objekten in Form von überlebensgroßen Organen, die mit samtigen, beruhigenden Oberflächen versehen sind. Wie können wir unsere Organe und ihre Signale wahrnehmen? Wie können wir ihre Sprache lernen und ihnen Raum geben? In dieser intimem Atmosphäre baut Menze Grenzen zwischen künstlerischem Raum und persönlicher Selbsterfahrung ab.
DO 06.03.
20:00
Lara Pilloni & Julia Monschau: „ELEVEN | ELEVEN“ (Premiere)
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ELEVEN | ELEVEN explores the concept of "Limbo," inspired by Dante's Inferno. In the narrative, souls linger in a state of pre-hell – neither destined for heaven nor hell. "Limbo" is a place of suffering without physical torment, characterized by incompleteness and unfulfilled striving. In a modern interpretation, ELEVEN | ELEVEN examines how people today experience a similar feeling: uncertainty, passive acceptance, and a lack of perspective define this state. The gap between reality and desires often distorts the perception of time and space. At the same time, global crises bring the handling of mortality and grief into sharper focus.
As the first part of a trilogy, ELEVEN | ELEVEN delves into waiting and the dynamics of expectation and uncertainty – universal experiences that inspire both individual and collective reflection. From birth to death, the project raises the question: What lies in between? Is "Limbo" a space in which life unfolds, or is it its essence? The piece invites the audience to embark on a journey of shared reflection
ELEVEN | ELEVEN erforscht das Konzept des „Limbus“, inspiriert von Dantes Inferno. In dieser Vorstellung verweilen Seelen in einem Zustand der Vorhölle – ein Ort, der weder für den Himmel noch für die Hölle bestimmt ist. Der „Limbus“ ist ein Raum des Leidens, der nicht durch körperliche Qualen, sondern durch Unvollständigkeit und unerfülltes Streben geprägt ist. In einer modernen Perspektive zeigt ELEVEN | ELEVEN, wie Menschen heute ähnliche Empfindungen erleben: Unsicherheit, passive Akzeptanz und das Fehlen von Perspektiven bestimmen diesen Zustand. Die Diskrepanz zwischen dem, was ist, und dem, was sein könnte, verzerrt oft die Wahrnehmung von Zeit und Raum. Gleichzeitig rücken globale Krisen die Auseinandersetzung mit Sterblichkeit und Trauer stärker ins Bewusstsein. Als erster Teil einer Trilogie beschäftigt sich ELEVEN | ELEVEN mit dem Warten und der Dynamik von Erwartung und Ungewissheit – universelle Erfahrungen, die sowohl individuelle als auch kollektive Reflexionen anregen. Von der Geburt bis zum Tod stellt das Projekt die Frage: Was liegt dazwischen? Ist der „Limbus“ ein Raum, in dem sich das Leben entfaltet, oder seine Essenz?
Choreografie, Tanz, Konzept | choreography, dance, concept: Lara Pilloni | Julia Monschau
Choreografische Assistenz, Dramaturgie | choreographic assistance, dramaturgy: Frederico Mendes Teixeira
Musik, Komposition | music, composition: Álvaro Severino
Lichtdesign | light design: Julio Ernesto Escobar Mellado
Gefördert durch | Supported by: Kulturamt Essen, Kulturbüro Wuppertal, Sparkassen Fonds für Kunst und Kultur in Wuppertal, Stiftung Kalkwerke Oetelshofen
Kooperationspartner | Cooperation Partners: Freiraum Ben J.Riepe | Maschinenhaus Essen | Tanzstation Barmen Bahnhof
FR 07.03.
19:00
Ivo Schneider: «Eine ziemlich einfache Geschichte» (Premiere)
20:00
Marco Girardin Konzert [kleine Bühne/ Foyer]
20:30
Aline Braun: “Fiasco”
bar open afterwards | Im Anschluss Bar geöffnet
Ivo Schneider: «Eine ziemlich einfache Geschichte» (Premiere)
“A Pretty Simple Story” sheds light on the different experiences of violence of a child read as a cis man. Born and raised in a small Swiss mountain village, the child was told a simple story: of crying girls and angry boys, of passive women who want to be conquered and heroic men for whom no mountain peak can be high enough. In his play “A Pretty Simple Story”, Ivo Schneider takes a critical look at his socialization as a cis man and deals with the question of how experiences of violence between men are passed on without reflection. In doing so, he refrains from directly reproducing the violence addressed. Instead, Ivo Schneider embarks on a search for reconciliatory images and scenes.
»Eine ziemlich einfache Geschichte« beleuchtet die unterschiedlichen Gewalterfahrungen eines als Cis-Mann gelesenen Kindes. Geboren und aufgewachsen in einem kleinen Schweizer Bergdorf, wurde dem Kind eine einfache Geschichte erzählt: von weinenden Mädchen und wütenden Jungs, von passiven Frauen, die erobert werden wollen, und heldenhaften Männern, für die keine Bergspitze hoch genug sein kann. In seinem Stück »Eine ziemlich einfache Geschichte« setzt sich Ivo Schneider kritisch mit seiner Sozialisation als Cis-Mann auseinander und beschäftigt sich mit der Frage, wie Gewalterfahrungen zwischen Männern unreflektiert weitergegeben werden. Dabei wird darauf verzichtet, die angesprochene Gewalt direkt zu reproduzieren. Stattdessen begibt sich Ivo Schneider auf die Suche nach versöhnlichen Bildern und Szenen.
Performance & Konzept | performance & concept: Ivo Schneider
Gefördert durch | Supported by: Mittelzentren Tanz & Performance
Aline Braun: “Fiasco”
“Fiasco” is the meeting point of four artists— a choreographer, two performers and a music composer who collaborated in a collision of ideas and organised chaos. As young artists, researchers, and physical movers, we try to craft together a physical and dynamic response to the world around us, as a reflection of our shared challenges.
“Fiasco” ist der Treffpunkt von vier Künstler:innen – einer Choreografin, zwei Performer:innen und einem Musikkomponisten, die in einer Kollision von Ideen und organisiertem Chaos zusammengearbeitet haben. Als junge Künstler:innen, Forscher:innen und körperliche Bewegende versuchen wir, gemeinsam eine physische und dynamische Antwort auf die Welt um uns herum zu gestalten, als Spiegelbild unserer gemeinsamen Herausforderungen.
Choreografie und Konzept | Choreography and concept: Aline Braun
Tanz | dance: Gülsün Buse Cingöz/Barb Dinnebier, Pier Paolo Lara
Musikkomposition | music composition: Émile Morinière
Videos: Arnaud Dubois
SA 08.03.
19:30
Leonarda Saffi: “InFesta”
20:00
DUIMA – The sky has no limits (Konzert) [kleine Bühne/ Foyer]
20:30
Djamila Polo & Antonia Koluiartseva: „Mit plumper Eleganz” (Premiere)
Leonarda Saffi: “InFesta”
Between the before and the after, two bodies move in a domestic space, the temple of memory. Their gestures seek interlocking, moving in an intimate and universal pentagram, attempting an impossible but no less real encounter. Here they are, on the tightrope between the two worlds, preparing the supreme feast, where word and silence take each other by the hand, where life and death toast to the same chalice.
The piece is a celebration of human relationships and love beyond borders. A paradoxical study, because its subject is Farewell. What can be gained from loss? In a civilisation that has exiled mourning to the peripheries of consciousness, can absence become an engine for a new way of inhabiting life? Is it permissible to cultivate with joy the personal cemetery of farewell?
Zwischen dem Vorher und dem Danach bewegen sich zwei Körper in einem häuslichen Raum, dem Tempel der Erinnerung. Ihre Gesten suchen nach Verbindung, sie bewegen sich in einem intimen und universellen Pentagramm, auf der Suche nach einem unmöglichen, aber nicht weniger realen Treffen. Hier sind sie, auf dem Drahtseil zwischen den beiden Welten, und bereiten das höchste Fest vor, bei dem Wort und Stille einander die Hand reichen, wo Leben und Tod mit demselben Kelch anstoßen. Das Stück ist eine Feier menschlicher Beziehungen und der Liebe jenseits von Grenzen. Eine paradoxe Studie, denn ihr Thema ist der Abschied. Was kann aus dem Verlust gewonnen werden? In einer Zivilisation, die die Trauer an den Rand des Bewusstseins verbannt hat, kann Abwesenheit ein Motor für eine neue Art des Lebens werden? Ist es erlaubt, mit Freude den persönlichen Friedhof des Abschieds zu kultivieren?
Choreografie | Choreography: Leonarda Saffi
Tanz | dance: Sara Valenti und Lucas Lopes Pereira
Dramaturgie | dramaturgy: Michele Ciavarella und Leonarda Saffi
Bühnenbild | stage design: Denise Valenti
Lichtdesign | light design: Alice Colla
Regieassistenz | assistence: Lucia Callén
DUIMA – The sky has no limits (Konzert) [kleine Bühne/ Foyer]
Isabel Wamig and Micha Lorenz conjure up imaginative, multidisciplinary concert formats with their duo.
In their own compositions and arrangements, classical music, pop and jazz music merge with influences and elements of folk to create a new and extraordinary multi-genre. Also in this concert “The sky has no limits”, voice and guitar, supported by violin, dance and poetry take you into the meaningful and multidimensional world of sound of the two artists. With their songs, the two break down supposed boundaries and create expressive and emotionally intense moments with their stylistically pluralistic format that also unite the audience in a collective, emotional overall experience.
Isabel Wamig und Micha Lorenz zaubern mit ihrem Duo fantasievolle, multidisziplinäre Konzertformate.
In Eigenkompositionen und Arrangements verschmelzen klassische Musik, Pop- und Jazz Musik, mit Einflüssen und Elementen von Folk, zu einem neuen, außergewöhnlichen Multigenre.
Stimme und Gitarre, unterstützt von Violine, Tanz und Poesie entführen auch in diesem Konzert „The sky has no limits“ in eine sinntiefe und multidimensionale Klangwelt. Mit ihren Songs sprengen die beiden vermeintliche Grenzen und erschaffen mit ihrem stilpluralistischen Format ausdrucksstarke und gefühlsintensive Momente die auch das Publikum verschiedenster Hintergründe in einer kollektiven, emotionalen Gesamterfahrung zusammenführt.
Djamila Polo & Antonia Koluiartseva: „Mit plumper Eleganz”
The duet is inspired by Camus' philosophical essay 'The Myth of Sisyphus‘ and reflects the absurdity of our existence in an ironic and poetic way. The dance, based on everyday movements, is a kind of homage to the contradictions and versatility of the human being. It uses various forms of paradox throughout. It is a journey through human existence that combines the complex and the banal, the tragic and the comic, the beautiful and the ugly in one dance, thus opposes any form of ideology
Das Duett ist inspiriert von Camus’ philosophischem Essay „Der Mythos des Sisyphos“ und spiegelt die Absurdität unserer Existenz auf ironische und poetische Weise wider. Der Tanz, der auf Alltagsbewegungen basiert, ist eine Art Hommage an die Widersprüche und Vielseitigkeit des Menschen. Er bedient sich durchgehend verschiedener Formen des Paradoxen. Es ist eine Reise durch die menschliche Existenz, die das Komplexe und das Banale, das Tragische und das Komische, das Schöne und das Hässliche in einem Tanz vereint und sich so jeder Form von Ideologie widersetzt.
Choreografie und Tanz | Choreography and dance: Djamila Polo
Tanz | dance: Antonia Koluiartseva
Musik und Sound | Music and sound: Jakob Jentgens
Gefördert durch | Supported by: Kulturamt Essen
SO 09.03.
19:30
Ching-Mei Huang: "Empathie im Digitalen Zeitalter" (Premiere)
20:30
Esther Murdock: "Faustisch" (Premiere)
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Ching-Mei Huang: "Empathie im Digitalen Zeitalter"
"Empathie im Digitalen Zeitalter" is an interdisciplinary art project that brings together dance, music, and visual media to explore the impact of digital globalization on empathy and decision-making. It examines how empathy can be reimagined in an era where decisions are made in seconds and social media permeates daily life. Inspired by Michel Foucault's reflections on well-being and the role of physical touch in a digitalized world, it questions the effects of digital technologies on human connection and mental health.
"Empathie im Digitalen Zeitalter" ist ein interdisziplinäres Kunstprojekt, das Tanz, Musik und visuelle Medien vereint, um die Auswirkungen digitaler Globalisierung auf Empathie und Entscheidungsprozesse zu erforschen. Das Projekt reflektiert, wie Empathie in einer Zeit, in der Entscheidungen in Sekundenschnelle getroffen werden und soziale Medien unser Leben durchdringen, neu gedacht werden kann. Inspiriert von Michel Foucaults Gedanken zu Wohlbefinden und der Rolle der Haut in einer digitalisierten Welt, stellt es die Frage nach dem Einfluss digitaler Technologien auf menschliche Verbindung und psychische Gesundheit.
Tanz | dance: Ching-Mei Huang
Live-Elektronik | Live-Elektronic: Karl-F. Degenhardt
Lichtdesign | Light design: Simon Krämer
Projektion | visual art: I-Chu Lin
Gefördert durch | Supported by: Kulturamt Essen
Esther Murdock: “Faustisch”
"Faustisch" is a retelling of one of Germany's most famous stories, taking the historical text and questioning it through the eyes of Gretchen. It serves as a metaphor for our modern world, where the easiest way out is often sought. How can we break out of this vicious circle? How can we find new ways of relating to each other, based on connection and empathy rather than fear and polarisation?
The piece was choreographed by Esther Murdock in close collaboration with dancer Florian Entenfellner and physical theatre actor Valentin Schwerdfeger.
„Faustisch“ ist eine Neuerzählung eines der berühmtesten deutschen Geschichten, die den historischen Text aufgreift und durch Gretchens Augen hinterfragt. Es dient als Metapher für unsere moderne Welt, in der oft der einfachste Ausweg gesucht wird. Wie kommen wir aus diesem Teufelskreis heraus? Wie können wir eine neue Art des Umgangs miteinander finden, die auf Verbundenheit und Empathie statt auf Angst und Polarisierung beruht?
Das Stück wurde von Esther Murdock in enger Zusammenarbeit mit dem Tänzer Florian Entenfellner und dem Physical Theatre Schauspieler Valentin Schwerdfeger choreographiert.
Künstlerische Leitung und Choreografie | Artistic direction Choreography: Esther Murdock
Tanz und Performance | dance and performance: Esther Murdock, Florian Entenfellner, Valentin Schwerdfeger
Dramaturgie | Dramaturgy: Valentin Schwerdfeger
Gefördert von | Supported by: Kulturamt Essen
Gefördert vom:
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